Conseptualismo

Arte Conceptual

Marcel Duchamp. Conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX, constituyendo una de las principales figuras que luchó a favor de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad de una formación, preparación o talento.

Aunque sus primeras pinturas mostraban talento, produjo pocas obras en comparación a otros artistas. Fue ésta una época de titubeos y experimentación con varias tendencias, pues quería inventar o encontrar su propio camino, en lugar de ser un mero intérprete de una teoría. Hasta 1911 explora todas las propuestas pictóricas que le ofrece el panorama moderno, desde los jirones del postimpresionismo hasta el color arbitrario de los fauves, para recalar finalmente en el cubismo, que empieza a cobrar presencia pública, inspirado por su hermano Jacques Villon y por sus visitas a la Galerie Kahnweiler. Marcel queda tan atrapado por el cubismo hasta el punto de pertenecer al grupo de Puteaux; grupo que se reunía los domingos por la tarde en casa de Villon que le permite coincidir con Kupka, de la Fresnaye y Picabia; y donde se abordaban temas como la cuarta dimensión y el arte interpretado por la mente en lugar de por la retina (arte retiniano). Fruto de estas nuevas ideas se propuso la tarea de representar la actividad mental de una partida deAjedrez, esfuerzo que desembocó en Retrato de jugadores de ajedrez, con una técnica que no destaca sobre otras obras cubistas, pero sí su intento de dar énfasis a la actividad mental en detrimento de la imagen retiniana.

Surrealismo

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. 

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales.

La Persistencia De La Memoria

La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. La pintura fue exhibida en la primera exposición individual de Dalí en la Galerie Pierre Colle de París,1 del 3 al 15 de junio de 1931, y en enero de 1932 en una exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York, Surrealism: Paintings, Drawings and Photographs.1 Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York, donde llegó en 1934 como donativo de Helen Lansdowne Resor, magnate de la publicidad que posteriormente llegaría a ser patrona del museo; el precio pagado fue de 400 dólares.2 En una revisión posterior del cuadro, Dalí creó 

La desintegración de la persistencia de la memoria. 

Descripción 

En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad (este tipo de reloj se lleva próximo a los genitales). 

Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). Dalí dijo sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando". 

La Madonna de Port Lligat

La Madonna de Port Lligat es un cuadro realizado en 1950 que está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 144 x 96 cm. 

La obra está inspirada en los cuadros de altar recacentistas, sobre todo en la Pala de Brera de Piero della Francesca (en el gesto de la Madonna, en el huevo colgando y en la concha

del revés). El cuadro presenta muchas de las características ya presentes en Leda atómica y en la Separación del átomo (Desmaterialización junto a la nariz de Nerón). 

Antes de pintar la obra definitiva, realizó un estudio con la misma composición pero con colores distintos. Esta versión de medidas mucho más pequeñas da una idea de lo que sería la versión definitiva. 

Descripción

En el cuadro aparece una virgen o Madonna con el rostro de Gala, la mujer del pintor, con el niño Jesús en su regazo. LaMadonna tiene una abertura rectangular en su tronco y delante de este está el niño Jesús, el cual también tiene una abertura en su tórax, donde a su vez hay un trozo de pan. Dalí describe esto como "un tabernáculo en el cuerpo de Jesús que contiene el pan sagrado". 

Los dos personajes están encima de un pedestal y bajo un arco. Los diversos elementos del cuadro aparecen sin tocarse unos con otros, al igual que en la Leda atómica, sostenidos en equilibrio como los elementos que constituyen el átomo. 

En la parte superior del cuadro se encuentra una concha de la cual cuelga un hilo que sostiene un huevo. Estos objetos son para Dalí símbolos de la vida y lo más parecido a la perfección euclidiana. El arco blanco que se sitúa sobre Gala permanece dividido en cuatro partes y parece estar descuidado y depintado en varias zonas. Junto a la cabeza de laMadonna están dos bajorrelieves ornamentales que tienen a su vez dos esferas pequeñas flotando. Sobre uno de los arcos está clavado un hilo que sotiene un pedazo de carne cruda. 

Junto a Gala hay dos mesas de madera. Destacan junto a uno de los muebles, un caracol de mar y una cesta con un pan. El pedestal tiene diversos símbolos impotantes para Dalí. Sobre este están situados, de izquierda a derecha, un trapo, una abolladura, una flor blanca deshojada y otra floreciente. El pescado, dos judías o frijoles y un cesto. El pedestal tiene una abertura frontal dividida en tres partes. En la parte izquierda hay un rinoceronte dividido en varias partes, en el centro un huevo escoltado por cuatro piezas y a la derecha una especie de busto que sufre una explosión en su cara y flota como si no hubiese gravedad. 

Hay un fondo muy claro con el paisaje flotante donde Gala está representada en diversas posiciones vestida de novia. Al final, como si fuese una escena teatral, Dalí pinta en los extremos superiores dos telones. 

Muchas de las imágenes que aparecen en el cuadro han sido pintadas ya numerosas veces por el artista, como Gala, que aparece aquí dos veces pintada con un vestido de novia, la bahía de Portlligat, el pez, las conchas y el trozo de corcho colgado del clavo. Otras constituyen el inicio de futuras obsesiones, como el rinoceronte con el cuerno roto que considera un símbolo de castidad. 

Niño Geopolítico Observando El Nacimiento del Hombre Nuevo

En ocasiones anteriores, el huevo había sido el principal objeto de atención de los cuadros de Salvador Dalí. Uno de los más antiguos y espectaculares es el huevo-semilla-cebolla que sostiene una enorme mano en Las metamorfosis de Narciso, de 1937.Si en esa ocasión, el huevo servía como introducción al recurso de la imagen doble, una de las nuevas posibilidades que ofrecía su método "paranoico-crítico", en el lienzo que contemplamos no sucede así. El huevo no se transforma en nada; es el lugar donde se produce el nacimiento de un ser humano. Su apariencia blanda, más que viscosa, contrasta con la naturaleza líquida del mapa de la tierra que está representado en la superficie. Por encima de tan curiosa escena de alumbramiento (no olvidemos que para ciertas culturas el huevo es el símbolo del alma) una gran sábana actúa como protección, que no sólo ofrece sombra sino seguridad. La posición que ocupa en lo alto y el huevo nos remiten de inmediato a una de las obras más enigmáticas de la historia de la pintura: la Sacra Conversación del italiano Piero della Francesca, más conocida popularmente como la Madonna del huevo. Tan peculiar escena tiene lugar en un vasto paisaje, de grandes horizontes y en el que los escasos elementos naturales que se reúnen (colinas, montañas) están realizados con la ya habitual técnica de Dalí, prodigiosa en el dibujo. El recuerdo de los pintores clásicos y su admiración, en especial, por aquéllos que habían dominado el dibujo (Rafael e Ingres) no le abandonaría nunca. Ya en noviembre de 1925 había ilustrado el catálogo de su primera exposición individual en las barcelonesas Galerías Dalmau con tres aforismos del pintor francés, en los que se defendía el valor del dibujo como expresión de la esencia de la realidad. 

La tentación de San Antonio

La tentación de San Antonio realizado en 1946, está pintada al óleo sobre lienzo, es surrealista y mide 90 x 119,5 cm.

Sumprematismo

SUPREMATISMO DE KASIMIR MALEVICH

SUPREMATISMO 1915

Avión en vuelo, 1915

Malevich había titulado Avión en vuelo otro trabajo expuesto también en San Petesburgo La obra se compone de 13 cuadriláteros de colores colocados de forma diagonal sobre la superficie . Ciertamente, algunas composiciones suprematistas recuerdan a los aviones biplanos de la época cuya estructura estaba reforzada con un entramado de cables tensores. El cuadro Suprematismo se caracteriza por un dinamismo siimilar así como por sus formas  en suspensión: los elementos orientados hacía arriba y concentrados en la mitad superior  de la imagen determinan el carácter dinámico de la composición.

Dadaismo

Obras de Tristan Tzara.

Vivió casi toda su vida en Francia y fue uno de los autores más importantes del movimiento Dadá, que fundó junto con Jean Arp y Hugo Ball, una corriente artística de vanguardia, totalmente revolucionaria en el sentido de que buscó romper con todos los parámetros establecidos a lo largo de la extensión de la historia del arte occidental, tanto que hoy día es catalogada como "antiarte". El Dadá fue una especie de padre fundador para gran cantidad de movimientos artísticos, entre ellos el surrealismo, el estridentismo, y en cierta medida el Arte Pop de los años 60's. algunas de sus obras son:

• La primera aventura celestial del señor Antipirina 1916
• Veinticinco poemas 1918
• Primer manifiesto dadá 1918
• La antología dadá. Obra colectiva 1919
• Siete manifiestos dadá 1924
• Sobre nuestros pájaros 1929
• El hombre aproximativo 1931
• Dónde beben los lobos 1933
• Mediodías ganados 1939
• El surrealismo y la posguerra. Conferencias sobre el surrealismo
• En el ínterin 1946
• La huida 1947
• El fruto permitido 1947
• La rosa y el perro 1959

Jean Arp. 1886-1966

Forme symétrique, 1915.

Siempre está abierto a las novedades culturales y a las aportaciones de otros artistas, lo que se ve reflejado en su evolución artística.

 

La Primera Guerra Mundial le sorprende en París y como Arp es ciudadano alemán en esa época, y uno de los conflictos de la guerra es el enfrentamiento franco-alemán por el territorio de Alsacia-Lorena, su situación en Francia se complica y decide trasladarse a Zurich donde conocerá a Sophie Taeuber que será su mujer y su musa.

 

A partir de 1915 empieza a exponer tanto con los pintores abstractos como con los surrealistas, y comienza a realizar relieves en madera, en los que la estética de Arp queda definida por su complicidad con la naturaleza.

 

Torso-ombligo, 1915

Trayectoria del artista: 

"Se sentía poeta, aunque terminó por dedicarse a la pintura. De modo que fue pintor, aunque una gran parte de su obra son relieves y esculturas. Particìpó con los expresionistas en alguna exposición del grupo de El Jinete Azul, aunque también asistió al Cabaret Voltaire en el que surgió el dadaísmo. Sin embargo más tarde tomó contacto con los surrealistas, pero no despreció jamás el arte abstracto, hasta el punto de que una parte de su obra puede encuadrarse en esta tendencia."

Trabaja todo tipo de materiales : escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas , la mayoría de pequeño formato; relieves en madera; crea obras con recortes de papel. Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.

 

Sans titre, encre de Chine sur papier, 1941-1942.

 

 

Se le identifica en los años veinte con el dadaísmo. 

 

Suiza neutral a partir del estallido de la guerra, en 1914 se convierte en un centro de refugiados pacifistas de toda Europa. Allí se encontró el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés.

 

En Zurich, donde vive Jean Arp, en 1916, un grupo de artistas se reúnen en una cervecería a la que llamaron "Cabaret Voltaire". Se reunía el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor Marcel Janco, ambos refugiados rumanos, y el pintor alsaciano Jeans Arp.

 

El grupo, contrarios al enfrentamiento, deciden celebrar una fiesta en la que se canten canciones de los distintos países que participan en la contienda y así aunar a los pueblos por encima de la destrucción y las armas . De estas protestas surge la ideas de lanzar un manifiesto, al que se le da el nombre Dadá, palabra sin significado, que sólo se identifica con la onomatopeya de lo que son los primeros balbuceo lingüístico de un niño.

 

De este grupo, Arp y la que luego sería su esposa, Sophie Taeuber, son prácticamente los únicos artistas que no renuncian a realizar una obra propiamente artística.

 

 

 

 

 

1929

Una obra que da la sensación de frágil, en formación, dubitativa, fresca y, por todas estas razones, de una especial intensidad.

 

Como dadaísta sus obras parten de investigaciones en relieves polícromos y grabados con manchas.

 

Cabeza Torso flor, 1924. Madera pintada.

 

Abstraccionismo

Paul Klee

El surrealismo de Klee

Un viaje hacia la abstracción

Futurismo

Emilio Filippo Tomasso Marinetti fue el fundador y el ideólogo del movimiento futurista. Fue él quien arrastró a los demás con sus arrebatadas consignas y sus provocadoras intervenciones públicas . La " liberación de las palabras " fue la revolucionaria aportación de Marinetti que superó con mucho el ámbito del futurismo . A través de una serie de manifiestos invalidó las técnicas compositivas y las normas lingüísticas vigentes hasta entonces , el Manifiesto técnico de la literatura futurista apareció en 1912 y al año siguiente se publicaba Parole in libertà.

Con tales textos , que estuvieron acompañados de muchas otras acciones y publicaciones, Marinetti , avanzó un brevísimo espacio de tiempo hacía una poética visual como la que aparece en la lámina  Velocidad elegante-Palabras en libertad ( primer record ) Marinetti arroja sobre el papel con toda libertad sintático letras , signos matemáticos -sobre todo vectores indicadores del movimiento., palabras, abreviaturas semánticas , objetos y fragmentos de frases . La tipografía cambia de una manera caprichosa pero continua. El autor escribe, dibuja, corta con las tijeras y pega . El lector no puede seguir un texto unitario palabra a palabra y linea a linea . Se enfrenta a un texto visual que le ofrece un amplio campo de posibilidades , combinatorias y asociativas.

Cubismo

Pablo Picasso

OBRAS MAS IMPORTANTES

Las señoritas de Aviñón (1907)

Las tres mujeres (1907).

Mujer con abanico (1908).

Su posterior etapa es el Cubismo Analítico, donde busca la disgregación geométrica de las formas y su fusión con el espacio. En ella aparecen figuras compuestas por cuadrados, trapecios o triángulos, y planos con volumen, conseguidos debido a las diferentes intensidades de luz; En unos cuadros de colores ausentes, donde predomina el blanco, negro o los tonos de ceniza. Destacando a continuación, las siguientes pinturas:

Cabeza de mujer (1909)

Retrato de Ambroise Vollard (1910).

Muchacha con mandolina (1910).

Retrato de Wilhem Unde (1910).

El aficionado (1912).

A partir de 1913, inicia su Cubismo sintético, etapa en la que empieza a predominar la invención sobre el análisis de las formas, junto con un enriquecimiento del color y una mayor importancia concedida a las texturas. Sus temas son alegres y de divertimento. Además aporta su invención de la técnica del collage, y en sus cuadros, a partir de ahora, se incluirán trozos de periódicos, revistas o tela. De esta época, algunas de sus creaciones fueron:

Arlequín (1915).

La italiana (1916).

Los tres músicos (1921).

Finalizada oficialmente su etapa cubista en 1921, durante la década 1920-1930, se pueden señalar otras vertientes cubistas en su producción, como el Cubismo curvilíneo de 1923.

Georges Braque

Casa del estanque (1908).

Barcos de Normandía (1909).

Cabeza de mujer (1910).

El velador (1929).

El acuario (1951)

Fauismo

Henri Matisse

Las obras de Matisse son cada vez más cotizadas en todos los países del mundo, convirtiéndose desde hace varias décadas en uno de los referentes de la pintura moderna. El pintor francés falleció en el año 1954 dejando un gran legado para las futuras generaciones de pintores

1. Armonía en rojo: lo que importa es el color

Uno de los principios del fauvismo fue la importancia que se le daba al color, por ello Matisse en esta obra se centró en un uno de sus colores favoritos: el rojo.

Influenciado por la carga emotiva que Van Gogh  dio al color, Matisse escribió en uno de sus tratados: “Observación y sentimiento. Me limito a elegir un color adecuado a mi sensación que quiero transmitir”.

2. La alegría de vivir: fuera reglas

“Se trata de la meditación sobre la naturaleza, en la expresión de un sueño que siempre está inspirado en la realidad” dijo Matisse para describir su obra, y a decir verdad esta pieza refleja un poco de ello, su interés por aquello que elimina toda regla o academicismo, y se centra únicamente  en la autonomía de los actos, como podría ser el  estar desnudo en un bosque.

Este género, por cierto, fue uno de los predilectos de Matisse, y lo podemos ver en diversas obras como: Desnudo azul, Desnudo sentada, Odalisca con pantalón rojo.

3. La danza: la simplicidad de las formas

Fascinado  por las culturas primitivas, desde su forma de concebir el arte hasta sus expresiones, Matisse lo reflejó en uno de sus cuadros más emblemáticos,  La danza.

Al respecto Matisse dijo: “Mi primer elemento de construcción es el ritmo, el segundo: una gran superficie de azul sostenido, en alusión al cielo mediterráneo; y el verde, para los pinos”.

4. El caracol: experimentar

La última etapa de Matisse la marcó su enfermedad que no le dejó pintar más. sin embargo creó cuadros abstractos a partir de recortes en papel de colores. Su nueva herramienta lo llevó ser uno de los precursores del collage. Algunas de estas piezas fueron: Jazz, Desnudo azul.